Дальнейшие ознакомление с Страсбургом мы проделали уже проверенным в Кольмар способом - на туристском трамвайчике. Только на этот раз уже обученный прежним опытом я постарался занять место с правого края, самое удобное для видения фотосъемки. И оно того конечно стоило - ведь "Маленькая Франции" без сомнения необычайно живописный квартал, где буквально на каждом повороте открываются такой картиночный вид, что хоть сразу ставь его на памятную открытку. 

В основном конечно это царство фахверка, причём (судя вот по этому специально увеличенному кадру и следующему за ним) - явно не новодел.

Впрочем и квартал "Крытые мосты" очень впечатляет - часть исторических укреплений города, высокие сторожевые башни, массивные бастионы и внушительные мосты на фоне многочисленных каналов смотрятся очень эффектно.

Вообще архитектура Страсбурга очень многообразна - вот например более новые кварталы с церковью, которая так и называется "Новая".

Большая (центральная) синагога Страсбурга - ("השלום") Synagogue de la Paix ( вторая по величине в Европе, после Будапештской).

А от синагоги уже рукой подать и до супер-модерного "Европейского квартала". Правда нам удалось лишь мельком увидать внушительную башню Европарламента (говорят что она специально была спланирована с как бы  "недостроенной"  восточной частью, которая намекает на планируемое расширение ЕС в сторону Восточной Европы). Впрочем скептики и циники, по сегодняшним реалиям, теперь вполне могут сказать что быть может это как раз архитектурное пророчество о его распаде.

Последний взгляд (уже из окна автобуса) и по "струнному" мосту возвращаемся обратно в Германию.

Страсбург, Страсбург - столица Эльзаса конечно заслуживает намного большего времени и внимания чем мы ей уделили, ведь наш совсем коротенький визит словно маленький кусочек пробы от очень вкусного блюда, который лишь только сильнее разжигает аппетит. Очень надеюсь что в будущем мне ещё удастся распробовать этот интересный город более основательно..

Современная израильская живопись… Стоит задать вопрос, что это такое, как искусствоведческие  прения переходят от натянутого политеса к дуэли на кисточках и шпателях – почти так же быстро, как израильское изобразительное искусство двигалось от живописи фигуративной к абстрактной и концептуальной, от комического к трагическому, от живописи политической и социальной – к натюрмортам и пейзажам, от религиозной символики к визуальной терминологии, от аллюзий ренессанса к самодовольным, а иногда и к критично-ироничным портретам, а затем обратно от модернизма к классике, спиралями и кругами, собирая свой урожай шедевров, работ запоминающихся и проходящих, урожай премий и призов, внимания и отстраненного игнорирования. Но если публика и проигнорирует порой от недостатка времени и любопытства то или иное живописное явление, то фонд Раппапортов обязательно обратит свое внимание, а потом и наше, вот уже десятилетие вручая ежегодно две премии в области изобразительного искусства двум художникам, устраивающего лауреатам персональные выставки в Тель-Авивском музее, а сейчас – выставку десятилетия «Асиф», которая продлится до 2 сентября 2017 года.

Работа Ивы Кафри

Особо приглашенные «Асиф» посмотрели на открытии, пасхально-каникулярные посетители также уже освоили, так что теперь можно спокойно увидеть плоды урожая. «Асиф» на иврите означает урожай или «сбор урожая», плоды которого – это как раз работы тех 20 художников (молодых и не очень), которые попали в собрание Тель-Авивского музея искусств благодаря деятельности упомянутого Фонда Раппапортов, каждый год выбирающего двух израильских художников (как сказано в уставе фонда – начинающего и заслуженного), вручающего денежную премию, организующего экспозицию. Фонд выпускает каталог, всячески поддерживает, поощряет молодых, подбадривает заслуженных и, главное, обращает внимание всех любопытных и причастных на современную израильскую живопись.

Фонд  Рут и Брюса Раппапорт передал в дар Тель-Авивскому музею такое количество живописных и скульптурных работ, что именем Раппапортов названы два зала, один было бы просто неприлично. Им же музей обязан лобби и мастерской при здании им. Шмуэля и Герты Амир. С 1996 года музей вручает почетные стипендии имени Раппапортов, а в 2006 году был учрежден фонд Раппапортов, который выдает ежегодно два приза двум израильским художникам или скульпторам, живущим в стране – художнику маститому и начинающему. Тесная связь между семьей Раппапорт и Тель-Авивским музеем искусств завязалась много лет назад. Рут и ныне покойный Барух Раппапорт не побоялись взять на себя ответственность за израильское общество, посвящая себя продвижению таких важных для всего человечества сфер как культура, наука, искусство, здравоохранение и образование. В супругах Раппапорт щедрость и любовь к искусству прекрасно сочетались с отличными деловыми качествами и коммерческим успехом. В сотрудничестве с Исследовательским институтом им. Раппапортов фондом была также учреждена премия за достижения в области науки; при поддержке редакции журнала «Ла-иша» – премия для женщин за вклад в развитие в израильское общество и формирование новых идей.
Два куратора выставки «Асиф» (Анат Данон-Сиван и Ноа Розенберг) попросили 20 лауреатов премии Раппапортов самих выбрать свои  работы – лет прежних и нынешних, создав ретроспективу работ художников – от ранних, канонических работ до новых, выставляемых впервые. Некоторые из этих работ уже находятся в коллекции музея. Часть были выставлены на персональных выставках после вручения премии, другие же извлечены из ателье художников или сделаны специально к этой выставке. Все вместе представляют собой цветную, пеструю и забавную (несмотря на политизированность) картинку из картин (а также фотографий). Яркая мозаика в крапинку наших реалий. Супер-эклектично, не мрачно – что уже удивительно после прежней черно-белой гаммы, перекинувшейся из материй индустрии моды на холсты, репрезентативно и интересно. Особо интересно сравнить, что случилось с художником, точнее с его стилем за время, прошедшее от года присуждения премии до сегодняшнего дня.

Работа Нурит Давид

Моя фаворитка — Нурит Давид. От насыщенных символами сказочных, фигуративных работ со скрытыми портретами себя и близких она перешла к дигитальной живописи, творимой на компьютере под влиянием японского анимэ, «Повести о Гэндзи» 11 века Мурасаки Сикибу и теорий итальянского архитектора и дизайнера Карлос Скарпа. Скарпа удавалось мастерски сочетать в своих постройках старые традиции и новые веяния. Он умело обращался со светом, материалами и фактурами – то же делает и Нурит Давид. Свои новые работы Нурит Давид «рисует» на компьютере и печатает на особом принтере на длинных полотнищах тонкой клеенки, называя их «новой одеждой для старых работ». Этими узкими полотнищами она обрамляет прежние картины или представляет их в виде новой «одежды», развешивая ее на плоских из плотного картона вырезанных манекенах-мольбертах. Пожалуй то, что представляет Нурит Давид – это самый резкий пример изменения творческого стиля на выставке «Асиф»: re-presentation от работ 1991 и 1995 года — к работам года 2017-го.

Нурит Давид рисует картины-приключения: ее живопись, тексты, статьи, ученики существуют благодаря ее таланту и воображению. Она изобразила множество жизней сотворенных ею персонажей в придуманных пейзажах, местах, странах, среди рек, текущих сквозь разные периоды ее творчества, между фарфоровыми фигурками, спрятанными в лесах, женщинами в красных платьях, разбегающимися по бумаге, пропыленными солдатами, между текстами и холмами. А сейчас все спрятала в своем нурит-давидовском акабы анимэ, на деле – в своем новом мире.

Картины Нурит Давид населены таким количеством персонажей и столь насыщены деталями, что все это пересчитать и пересказать невозможно – надо видеть. Портреты же Нурит Давид сделаны в совсем иной манере, хотя также призрачны и фантастичны. Отталкиваясь от пары старых детских фотографий, она воссоздает призраки дома своего детства, населяя его женщинами-монстрами с лицами бабушки, матери и своим. Женщинами-девочками, у которых вместо тела – пружины, вместо ног – деревянные протезы марионеток, вместо торса – белые мясистые лилии. Сквозь них просвечивают лестницы, они летают по коридорам, в которых растет чертополох. Более ранние работы Нурит Давид, сделанные с использованием структуры рыхлой бумаги, аппликаций и даже спичек, приклеенных к картону и создающих тени-узоры, цветными линиями вытекающими из клубка сновидений.

" data-image-meta=""1"}" data-image-title="Nurit David" data-large-file="https://i0.wp.com/www.israelculture.info/wp-content/uploads/2017/04/Nurit-David.jpg?fit=585%2C754" data-mce-src="https://i0.wp.com/www.israelculture.info/wp-content/uploads/2017/04/Nurit-David.jpg?resize=585%2C754" data-mce-style=" hidden;" data-medium-file="https://i0.wp.com/www.israelculture.info/wp-content/uploads/2017/04/Nurit-David.jpg?fit=233%2C300" data-orig-file="https://i0.wp.com/www.israelculture.info/wp-content/uploads/2017/04/Nurit-David.jpg?fit=585%2C754" data-orig-size="585,754" data-permalink="http://www.israelculture.info/asif-tel-avivskogo-muzeya/nurit-david/" height="754" sizes=" 585px) 100vw, 585px" src="https://i0.wp.com/www.israelculture.info/wp-content/uploads/2017/04/Nurit-David.jpg?resize=585%2C754" srcset="https://i0.wp.com/www.israelculture.info/wp-content/uploads/2017/04/Nurit-David.jpg?w=585 585w, https://i0.wp.com/www.israelculture.info/wp-content/uploads/2017/04/Nurit-David.jpg?resize=233%2C300 233w" width="584" />

Работа Нурит Давид

Нурит Давид родилась в Тель-Авиве в 1952 году. Ее официальная биография на удивление скромна: закончила в 1978 году педагогический семинар в Рамат ха-Шароне, с 1986 года преподавала в колледже искусств «Бейт Берл». Список выставок – и персональных и коллективных – внушителен. Десятки и десятки экспозиций, начиная с 1978 года. Приз Раппопортов она получила самая первая – в 2006 году.

Работы Нурит — модернистские и фигуративные, классические маслом и коллажи с фотографиями, графика и абстракция, затихшие пейзажи и выдуманные биографии. Патетически и поэтически, фантастично и реально, но не выспренно, а выстрадано. Ее выставки – это выставки иллюзий, рассказов о спрятанных на холсте сокровищах. Сумеете их найти – раскроете секрет ее живописи. Нет таких людей и нет таких стран – но они увидены и зарисованы, и зрителям остается только следовать за воображением Нурит Давид. «В моей жизни есть две страсти – писала Нурит в каталоге первой  выставки Приза Раппапортов  2006 года, — китайская поэзия и работа на земле, как две высоких горы, между которыми я пробираюсь. Я не могу представить себе свою жизнь без того клочка земли, который возделываю и без своих учеников, в которых вкладываю не меньше, чем в землю. Когда я читаю стихи древних китайских поэтов, я представляю как они, в своих скромных одеяниях и простых сандалиях, шли по холмам с пучками свежесрезанной травы в руках, декламируя вирши. Я рисую рассказы и рассказываю картинами».

Работа Дганит Берест

Из не очень молодых участников «Асифа»  нельзя не упомянуть также Дганит Берест, ее работы–игры с буквами-словами, стихами и видениями, которые она препарирует, по буквам растаскивает и снова соединяет, визуалируя стихи и их потайные смыслы. Дганит Берест – художница и фотограф, учившаяся в Иерусалимской академии «Бецалель» и в Нью-Йоркском институте Пратта. С 1998 года по 2001-й она возглавляла факультет фотографии колледжа Бейт-Берл, где также преподавала с 1974-го по 2014-й год. Дганит Берест за эти годы успела оказать влияние на несколько поколений студентов, показывала также  свои работы в музеях и галереях по всему миру – Нью-Йорк, Милан, Торонто, Дюсельдорф, Стокгольм, Варшава и т.д. Ее работы находятся в коллекциях практически всех крупных израильских музеев; также она удостоена практически всех израильских премий. Приз Раппапорта Дганит Берест получила в 2012 году.

Работа Яна Раухвергера

Кого еще нельзя не упомянуть? Вот кого: Яна Раухвергера, Яира Гарбуза (он был лауреатом премии Раппапортов 2015 года и его персональная выставка проходит в Тель-Аивском музее до 6 мая, удивительным образом перекликаясь не только с «Асифом», но и с выставкой «Что касается Африки»); Давида Риба; Таль Мацлиах (завораживающие-картины-орнаменты-узоры-сплетенные-из-точек-и-нитей-и-красок-и-сказок); Шарон Полякин; Альму Ицхаки с ее картинами-рассказами, Иву Кафри с ее огромными прозрачными абстрактными полотнами, на выставке которых в прошлом году хотелось среди них заблудиться; ироничного Михаэля Халака; Шая Йехезкели – также лауреата приза Раппапортов 2015 года, чья выставка продлится в одном из залов Тель-Авивского музея до 22 апреля этого года. В общем – всех, кто оказался в авангарде современного израильского искусства – на вкус фонда Раппапортов, естественно, и на вкус жюри премии. Новый смысл, новые переживания, новый экспириенс от сбора урожая, опыт и переосмысление. Вывод – не останавливаться. Пожалуй так, в двух словах можно описать эту выставку… Не останавливаться, обгонять время, бежать и успевать по дороге наслаждаться искусством, в том числе и на выставке «Асиф» к 10-летию со дня учреждения премии имени Баруха и Рут Раппапортов в области искусства.

Размер премии Раппапортов ведущему художнику – 70.000 долларов (половина вручается самому художнику. Половина идет на организацию выставки и выпуск каталога). Размер премии молодому художнику – 30.000 долларов (половина — 15.000 — вручается самому художнику. Половина идет на организацию выставки и выпуск каталога). Все лауреаты премии передают по одной работе в дар коллекции израильского искусства семьи Раппапорт. Коллекция будет полностью передана в дар Тель-Авивскому музею искусств.

Работа Альмы Ицхаки

Работа Михаэля Халака

Работа Таль Мацлиах

Работа Шая Йехезкеля

Директор Тель-Авивского музея искусств Сюзан Ландау так говорит о выставке: «Премия Раппапортов, одна из важнейших на сегодняшний день премий в области израильского искусства, предоставляет нашему музею прекрасную возможность познакомить широкую публику с отечественными художниками-представителями разных поколений. На выставке, приуроченной к десятилетию со дня основания фонда, представлены работы 20 художников в рамках 20 выставок и на страницах 20 каталогов. Музей приобрел в свою коллекцию 20 новых произведений искусства. Это настоящий праздник современного израильского искусства, который стал возможен благодаря поддержке Фонда им. Баруха и Рут Раппапортов».

Лауреаты премии им. Раппапортов за достижения в области искусства за 10 лет работы фонда:

2006 г. Нурит Давид – ведущая художница года, Эли Петель – молодой художник года.

2007 г. Ян Раухвергер – ведущий художник года, Нетали Шлоссер – молодая художница года.

2008 г. Авнер Бен-Галь – ведущий художник года, Йосеф Криспель – молодой художник года.

2009 г. Таль Мацлиах – ведущая художница года, Мелани Даниэль – молодая художница года.

2010 г. Шарон Полякин – ведущая художница года, Орен Элиав – молодой художник года.

2011 г. Асаф Бен-Цви – ведущий художник года, Михаэль Халак – молодой художник года.

2012 г. Дганит Берест – ведущая художница года, Эльад Коплер – молодой художник года.

2013 г. Давид Риб – ведущий художник года, Ива Кафри – молодая художница года.

2014 г. Идо Бар-Эль – ведущий художник года, Альма Ицхаки – молодая художница года.

2015 г. Яир Гарбуз – ведущий художник года, Шай Йехезкели – молодой художник года.

2016 г. Ицхак Гольдштейн — ведущий художник года, Ифат Бецалель — Йехезкели – молодая художница года.

Лауреаты премии Раппапортов 2017 года – Ицхак Голомбек и Гиль Ефман, чьи имена были объявлены в начале  марта 2017 года.

Ицхак (Ичe) Голомбек, родившийся в 1957 году в Польше, репатриировался в Израиль в 1965 году и изучал живопись и скульптуру в университете Хайфы. С 1982 года представляет персональные выставки и участвует в сотнях групповых выставках в Израиле и за рубежом. Его деревянные скульптуры – уникальны, его стиль, развивающийся с 1980-х годов — абсолютно самобытен. И на деле, более всего удивительно, почему он не получил премию Раппапортов еще десять лет назад.

Гиль Ефман родился в 1979 году в Израиле, закончил Академию искусств и дизайна «Бецалель» в 2003 году. Принимал участие во многих выставках в в различных галереях в Израиле, Нью-Йорке, Тайбее и Токио. В его работах сочетаются гротеск, юмор и провокация.

Сайт художницы Нурит Давид:
http://www.nuritdavid.com/
Сайт недавней выставки Нурит Давид в галерее «Гивон»
http://www.givonartgallery.com/past-exhibitions/nurit-david-2
Сайт Фонда Раппапортов  — http://rappaport-prize.com/en
Страница в фейсбуке: https://www.facebook.com/Rappaport.Prize
Страница выставки в youtube — короткие интервью с участниками: https://www.youtube.com/watch?v=-jxSrXHCxdE
Лауреты Приза Раппапорта 2017 года рассказывают о своих работах — https://www.youtube.com/watch?v=BJB-aEFkUvo
Сайт Тель-Авивского музея: http://www.tamuseum.org.il

Маша Хинич. Заглавное фото — новая работа Нурит Давид. Все иллюстрации  предоставлены пресс-службой Тель-Авивского музея искусств.

"> не надоедает, а Нурит Давид щедра на экспозиции: я помню выставку ее пейзажей в Герцлийском музее в 2001 году, портретов в выставочном зале винодельни Шато Голан в кибуце Элиад в 2005 году, «Апокалипсис на Галилейском море, Фландрия» в «Бейт Гавриэль» на Кинерете, «Вечное лето» в галерее Гивон в Тель-Авиве в 2006 году, недавнюю – мартовскую выставку в той же  галерее «Гивон».  Каждый раз – новые впечатления. Новая возможность поразиться чужой фантазии, подивиться другим мирам.

Интервью с известнейшей пианисткой и педагогом Диной Йоффе в преддверии 15-го Международного фортепьянного конкурса имени Артура Рубинштейна, который пройдет в Тель-Авиве с 25 апреля по 11 мая.

- Дина! Добрый день! Вы впервые приглашены стать членом жюри Международного фортепьянного конкурса имени Артура Рубинштейна. А давно ли вы знакомы с этим конкурсом не понаслышке, а напрямую - как исполнительница, как пианистка и как педагог?

- Я боюсь показаться не точной. Конкурс возник 43 года назад и впервые состоялся в Тель-Авиве в 1974 году. Мы же семьей репатриировались в Израиль в 1989-м году и я начала работать в Музыкальной Академии имени Рубина в Тель-Авиве, где преподавала в течение шести лет. Так что, естественно, что именно с тех пор я и знакома очно с конкурсом Рубинштейна – в прямом смысле слова. Тогда, в конце восьмидесятых, еще не было YouTube, и мы практически постоянно ходили на прослушивания, все время наблюдали за выступлениями конкурсантов – в 1989-м году, в 92-м, в 95-м, когда победил Александр Корсантия. Я хорошо помню такой эпизод в 1992-м году (это был 7-й по счету конкурс): в конкурсе участвовал московский пианист Максим Филиппов, он прошел в финал и просто зашел в академию, чтобы мы с ним поиграли концерт на два рояля. Естественно, я ходила на все концерты конкурса, но в жюри приглашена впервые, чему очень рада. Мне это интересно и профессионально, и потому, что я считаю себя частью Израиля.

- Как и любое сценическое действие, конкурс – это театр. В любом театре есть закулисье, изнанка сцены. Что вы можете сказать о закулисной стороне музыкальных соревнований в целом? Ведь вы бывали в жюри очень большого количества конкурсов...

- Эта «изнанка» действительно существует, но скорее всего она связана с каждым отдельным членом жюри. Бывает все – несправедливость с чьей-то точки зрения, несовпадение взглядов... Члены жюри – люди и люди с разной культурой, разными школами, разным мировоззрением. Крайне трудно, чтобы их взгляды совпадали. Есть и моя личная «изнанка», мои ощущения, моя оценка, отличная от принятого стандарта. Сегодня на конкурсах ищут перфекционизм, ищут исполнителей, которые готовы приспособиться к тому, что диктует рынок: они должны быть очень стабильны, с прекрасной техникой... Естественно, что я тоже ценю эти качества, но для меня в первую очередь важнее, чтоб эти исполнители были личностями, яркими индивидуальностями, чтобы на самом конкурсе их было интересно слушать. И даже, если в какой-то момент от волнения некий процент их перфекционизма уходит, это не влияет на мою оценку их исполнения.

Я говорю только о себе, только о своем отношении... В конкурсе Рубинштейна в этом году принимают участие 32 пианиста, а на крупных конкурсах – таких как Варшавский конкурс пианистов имени Шопена или фортепьянный конкурс Листа в Кливленде, откуда я недавно вернулась, играют по сто человек. На предварительные прослушивания на конкурс Шопена было подано 350 заявлений, играли 160 пианистов! В таких условиях запоминается именно яркая индивидуальность: мы - члены жюри - слушаем музыку, у нас есть определенные критерии, мы ведем записи, но самое важное то, если исполнение помнится и после того, как мы ушли из зала, если осталось впечатление о человеке – вот что для меня очень важно! Сегодня иногда пропадает поиск индивидуальности, перспективы. Я многое готова простить музыканту, если вижу, что у него есть творческий потенциал. Иногда мне приходится  бороться и отстаивать свое мнение очень серьезно, в некоторых случаях это удается. Те, кого я отстаивала, получили высокие оценки, и потом жизнь показала, что эти музыканты действительно достойны такого.

- Как физически возможно все это выдержать? Я даже не спрашиваю, как физически выдерживают конкурс сами исполнители, на которых иногда боязно смотреть. Они, по-моему, теряют за дни конкурса десять килограммов веса минимум... Но, как и члены жюри физически могут выдержать это бесконечное количество прослушиваний, этот довольно монотонный поначалу марафон? Как сделать так, чтобы ваше внимание не ослабевало, ведь на первых двух этапах конкурсанты играют одни и те же произведения?

- Труднее всего на конкурсе Шопена – ведь там исполняются произведения только одного композитора - пусть и гениального Фредерика Шопена. Принимать участие в варшавском  жюри было непросто. Программа же конкурса Рубинштейна, репертуар исполняемых произведений подобран очень хорошо, серьезное внимание уделяется камерной музыке, а ведь в сегодняшнем мире сольный камерный концерт – это раритет. Сольные концерты дают обычно уже маститые, узнаваемые музыканты, но не молодые ребята, которые только вышли на свою дорогу. В основном они начинают свою творческую жизнь на фестивалях камерной музыки, но многие хорошие пианисты не готовы к тому, что на фестивалях две-три репетиции надо играть с незнакомыми исполнителями, знать определенный репертуар.

И поэтому очень важно, что конкурс Рубинштейна предлагает в программе камерные сочинения (произведения Моцарта, Бетховена, Брамса, Форе, Шумана, Дворжака в I туре, концерты Моцарта и Бетховена во II туре, и еще более разнообразную программу на заключительном этапе конкурса – концерты Бетховена, Шопена, Шумана, Листа, Брамса, Чайковского, Грига, Рахманинова, Равеля, Бартока и Прокофьева – М.Х). Такой подбор репертуара - очень важный шаг, как и то, что в программу включены концерты Моцарта. Очень важно, как конкурсанты исполняют классику вообще, но то, как они играют Моцарта – это своеобразная лакмусовая бумажка. Многое после этого становится понятным. Моцарт – он как рентген – все ясно, все слышно, все видно.

- Программа выступления в обоих турах должна включать в себя классическое и романтическое произведения, а также одно из двух произведений, написанных специально для конкурса израильскими композиторами Бетти Оливеро и Авнером Дорманом. Напомню, что у конкурса Рубинштейна есть прекрасная традиция – исполнение произведений израильских композиторов, которые ассоциация Артура Рубинштейна заказывает у них специально к конкурсу. В этом году это будут произведение «О воде, ветре и колоколах» Бетти Оливеро и 5-я фортепьянная соната Авнера Дормана. Вы их уже слышали?

- Я слышала сочинения, но еще не успела проиграть их сама для себя. Сегодня существует немало конкурсов, где правила предписывают исполнять сочинения, специально заказанные и написанные для этих конкурсов. Я всегда прошу у организаторов ноты таких «заказных» сочинений и пытаюсь выучить сама и  дать своим ученикам, если мне, конечно, нравится эта музыка. И считаю, что это прекрасная идея: во-первых, это дает возможность композиторам той или иной страны быть узнанными. А во-вторых, такие «обязательные» сочинения – это, большей частью, безумно интересно. Я слежу во время исполнения по нотным записям и слышу, как молодые люди по-разному интерпретируют новую для них музыку, ранее им совсем незнакомую. Поэтому особенно интересно именно то, как и что каждый из конкурсантов может услышать, прочитать и проанализировать в таких сочинениях. Для меня такой анализ, личная интерпретация также определяет уровень музыканта. Умение индивидуальной  трактовки, особенной «подачи» выгодно отличает таких музыкантов от тех, кого я называю «ютьюбисты» - то есть тех, кто услышал какие-то хорошие записи в YouTube и просто повторяет их. А такие новые сочинения невозможно повторить – их надо понять, проиграть,  прожить и подать исключительно по-своему...

- Насколько я знаю, вы знакомы практически со всеми членами жюри конкурса Рубинштейна. Как часто вы пересекаетесь? Как часто вам удается общаться? Да и каково себя чувствовать вершителями судеб молодых пианистов? Не страшно?

- Вопрос очень непростой - ответственность на членах жюри лежит огромная. Но я даже не позволяю себе думать, что это «страшно». Если страшно – то лучше не приближаться к судейству конкурсов вообще. Жюри бывают разные, но уровень конкурса предполагает и уровень жюри. Как я уже говорила, у нас зачастую не совпадают мнения, но все-таки есть нечто общее, годы общения, знакомств, совместных выступлений. Я хорошо знаю Элисо Вирсаладзе – еще со времен моей учебы у профессора Веры Горностаевой. С легендарным Менахемом Пресслером мы вместе выступали на европейских фестивалях. Да и вообще вся «старая гвардия» знакома друг с другом много лет, не раз мы работали вместе. И с художественным руководителем конкурса Идит Цви мы знакомы очень и очень давно. Когда мы только репатриировались, она пригласила меня и моего мужа скрипача Михаила Ваймана участвовать в фестивале «Коль ха-Музика» в Кфар–Блюме на севере страны - это фактически было первое наше серьезное выступление в Израиле. И вот я снова в Израиле – уже совсем в другом качестве, и счастлива, что это произошло.

Интервью взяла Маша Хинич. Фото предоставлено пресс-службой конкурса Артура Рубинштейна

********

Дина Йоффе родилась в Риге. Закончила Московскую консерваторию под руководством знаменитой Веры Горностаевой. Она - призер конкурсов Шумана в Германии и Шопена в Варшаве.

Как исполнительница широко известна во многих странах – во Франции, Германии, Англии, Японии, США, Израиле и др. Выступала с такими крупными оркестрами, как Израильский филармонический, оркестр, оркестр Японского радио NHK, Московский филармонический оркестр, Tokyo Metropoliten Orchestra под управлением Джеймса Де Приста, Валерия Гергиева, Дмитрия Китаенко, Зубина Меты и других прославленных дирижеров. Активно участвует в камерных музыкальных фестивалях Франции, Италии и Финляндии.

С 1989 по 1996 гг. Дина Йоффе - профессор Академии музыки имени Рубина в Тель-Авиве. В 1995-2000 гг. приглашенный профессор Aichi University of Arts в Японии , профессор Национального университета искусства и музыки в Нагое (Япония). Преподавала на Yamaha Master Classes в Париже и Токио. Дает мастер-классы в Германии, в Королевской Академии музыки в Лондоне. С 2000 г. является приглашенным профессором Summit Musik Festival в Нью-Йорке. Дина Йоффе - почетный член японской ассоциации педагогов фортепьяно. Художественный руководитель фестиваля и мастер-классов «Музыкальное лето» в Малаге в Испании. Профессор Академии музыкальных талантов в Брешие (Италия). С 2015 года Дина Йофее заслуженный профессор в Concervatorio Liceo в Барселоне.

Профессора Йоффе часто приглашают в жюри престижных конкурсов в Кливленде в США, Хамамацу в Японии, конкурс Шопена Варшаве, в Германии (конкурс Листа в Веймаре), в Испании (Maria Canals в Барселон) и другие.

Dina Yoffe plays Chopin Scherzo n.2
https://www.youtube.com/watch?v=vZIQbccZpMc

Официальный сайт  Дины Йоффе - http://www.dinayoffe.com/

15-й Международный Фортепьянный конкурс имени Артура Рубинштейна — с 25 апреля по 11 мая 2017 года

Предварительная продажа билетов на сайте http://www.eventim.co.il/arthur
или по телефону 03-5111777
Конкурс откроется концертом Антония Барищевского — победителя предыдущего конкурса 2014 года. Посмотреть видеозапись его выступления, а также другие записи можно в видео-архиве конкурса по ссылке: https://www.youtube.com/user/AthurRubinstein
Подробности на сайте конкурса — http://www.arims.org.il/, а также здесь — http://www.israelculture.info/konkurs—rubinshtejn/
Страница в фейсбуке — https://www.facebook.com/ArthurRubinsteinPianoCompetition/?fref=ts

Пианист-виртуоз Денис Мацуев, столь блистательно проведший гастроли в Израиле в апреле 2016 года, вновь возвращается к нам в страну в мае 2017-го для того, чтобы дать несколько концертов с Израильским Филармоническим оркестром под управлением Зубина Мета и по его личному приглашению. В центре программы – 17-й концерт Моцарта – радостный и настолько красивый, что к месту процитировать Чайковского, сказавшего так: «По моему глубокому убеждению, Моцарт есть высшая, кульминационная точка, до которой красота досягала в сфере музыки».

Мацуев — редкий пример классического музыканта, признанного не только в узких кругах специалистов, но и всеми любителями музыки. Он – феномен, уже четверть века доказывающий, что может сочетать виртуозность с подлинным чувством стиля и эстетикой. Он — глубоко укорененный в русской традиции пианизма, — вызывает у публики эмоции, на которые обычно способны спровоцировать только рок-звезды. Его впечатляющая техника и аккуратность игры вызывают восхищение, как и сочетание силы и разнообразия окраски игры.

Имя Дениса Мацуева неразрывно связано с традициями легендарной русской фортепианной школы, неизменным качеством концертных программ, новаторством творческих концепций и глубиной художественных интерпретаций. В прошлом, 2016-м году Денис Мацуев стал лауреатом Российской национальной музыкальной премии в номинации «лучший инструменталист года в классической музыке».

Стремительное восхождение музыканта началось в 1998 году после его победы на XI Международном конкурсе им. П.И. Чайковского в Москве. Сегодня Денис Мацуев — желанный гость центральных концертных залов мира, непременный участник крупнейших музыкальных фестивалей, постоянный партнер ведущих симфонических оркестров России, Европы, Северной Америки и стран Азии. Среди партнеров Дениса Мацуева по сцене всемирно известные коллективы. В 2010 году Нью-Йоркский филармонический оркестр представил публике свой 15.000-й концерт, рубеж, который не удавалось преодолеть до этого ни одному из когда-либо существовавших симфонических оркестров. Именно Денис Мацуев был приглашен для участия в качестве солиста и именно его пригласил маэстро Зубин Мета в Израиль в прошлом году для своих юбилейных концертов, в которых прозвучали произведения Чайковского, Шумана и Рахманинова. Сейчас Денис Мацуев будет вновь играть с оркестром под управлением Зубина Мета, но совсем иную программу. Всего 5 концертов – спешите услышать и увидеть в мае 2017-го.

Денис Мацуев – известнейший пианист современности, народный артист России, лауреат всех мыслимых международных конкурсов, хорошо знакомый и неожиданный, традиционный и провокационный. Лучшие дирижеры и оркестры мира считают за честь играть с Мацуевым. Его имя знакомо даже тем, кто не считает себя поклонником классической музыки. Он принадлежит к редкому числу музыкантов, которых мало слушать — на них обязательно нужно смотреть. Мир узнал о нем в 1998 году, после блестящей победы на конкурсе имени Чайковского. Сегодня его выступления расписаны на много лет вперед и с неизменным успехом проходят в лучших залах мира. В сумасшедшем ритме гастролей он меняет страны и континенты по нескольку раз в неделю. Сочетает классическое наследие музыкального прошлого с виртуальными концертами технологического настоящего.

Этот текст начат с упоминания того что Денис Мацуев – пианист-виртуоз. И потому к месту процитировать то, что сам Мацуев думает о термине «виртуозность»: «Я не считаю, что слово виртуозность приобрело дурной смысл сегодня. Расхожее мнение, что виртуозность – это только скорость и сумасшедшее владение инструментом на бешеных темпах, не соответствует действительности на самом деле. Виртуозность – это не только высокая скорость, это может быть и очень медленный темп, виртуозно можно играть даже паузы. Это умение передать идею произведения, с лёгкостью преодолевая технические сложности. Для меня виртуоз – это человек, который владеет всем арсеналом пианиста».

«Я играю для публики, это самый главный мой критик, — говорит Денис Мацуев. — И всегда готовлю что-то новое бисов, какие-то сюрпризы. Бисы — это разные эпохи, разные композиторы, разные стили, разные состояния. Это своеобразный спектакль и для меня тоже. У меня были рекордные выступления, когда я играл до 15 произведений на бис, а концерт при этом продолжался около трех часов. Публика меня заводила, и я не мог остановиться». А израильская публика «заводит» Дениса особенно. Не все знают, что в Израиле у него огромное количество друзей, что его дедушка по маминой линии – еврей, по папиной линии прадед был евреем. «Для меня еврейская культура всегда была очень близка. Я преклоняюсь перед талантом этих действительно выдающихся людей. Музыканты еврейского происхождения составляют костяк великих музыкантов и дирижеров двадцатого столетия. Целый пласт выдающихся людей. Музыка должна примирять, на мой взгляд. Яркий тому пример Зубин Мета и Израильский филармонический оркестр. Я никогда и нигде не отказывался играть по политическим причинам. Я понимаю, как важно бывает в сложные времена обрести спокойствие и гармонию. И единственное, что мы, музыканты, можем сделать – это играть музыку, а она уже примирит людей и залечит их раны».

Тель-Авив. 24 мая 2017, среда, 20:00
Дирижер: Зубин Мета
Солист: Денис Мацуев, ф-но
В программе:
Моцарт: Концерт для фортепиано №. 17 соль мажор, К. 453
Р. Штраус. Бурлеск для фортепиано
Р. Штраус. «Домашняя симфония» (Symphonia Domestica)

Хайфа. 25 мая 2017. 20:00
Серия: HAIFA B
Дирижер: Зубин Мета
Солист: Денис Мацуев, ф-но
В программе:
Моцарт: Концерт для фортепиано №. 17 соль мажор, К. 453
Р. Штраус. Бурлеск для фортепиано
Р. Штраус. «Домашняя симфония» (Symphonia Domestica)

Тель-Авив. 26 мая 2017. 11:00
Серия: INTERMEZZO
Дирижер: Зубин Мета
Солист: Денис Мацуев, ф-но
Ведущий: Рони Порат
В программе:
Моцарт. Концерт для фортепиано №.17 соль мажор, К. 453
Бетховен. Симфония №. 8

Тель-Авив. 27 мая 2017. 20:00
Серия: ФИЛОКЛАССИКА
Дирижер: Зубин Мета
Солисты: Денис Мацуев, ф-но
Давид Радзинский – скрипка
Эмануэль Сильвестри — виолончель
Дуду Кармель — гобой
Даниэль Мазаки – фагот
В программе:
Гайдн. Симфония №. 88
Моцарт. Концерт для фортепиано №. 17 соль мажор, К. 453
Гайдн. Концертная симфония для скрипки, виолончели, гобоя и фагота

Тель-Авив. 28 мая 2017. 19:00
Серия: 7 AT 7:00
Дирижер: Зубин Мета
Солист: Денис Мацуев, ф-но
В программе:
Моцарт: Концерт для фортепиано №. 17 соль мажор, К. 453
Р. Штраус. Бурлеск для фортепиано
Р. Штраус. «Домашняя симфония» (Symphonia Domestica)

http://www.ipo.co.il

https://www.facebook.com/israel.philharmonic

https://www.youtube.com/user/IPOvideos

http://matsuev.ru/

Линк на видео – Денис Мацеув играет 17-й концерт Моцарта:
https://www.youtube.com/watch?v=UGe6Ks53Qiw

Заказ билетов на сайте продюсерской компании Rest International —  restinter.com

Фотографии (© Евгений Евтюхов) предоставлены компанией Rest International

">

Небрежно на холсте изображен,
Как отголосок мысли неземной,
Не вовсе мертвый, не совсем живой..."
М.Ю. Лермонтов. "Портрет".
Новый стиль, утвердившийся к концу XVI века в искусстве Европы, и названный Барокко (итальянский barocco — странный, причудливый), характеризуется парадностью, грандиозностью, доходящей до помпезности, обилием внешних эффектов и деталей, декоративностью и "пышностью" форм. Это сказывалось уже в творчестве упоминавшегося мною ранее (в части "Позднее Возрождение") Микела́нджело Меризи да Карава́джо (1571-1610), которого искусствоведы часто причисляют к разным стилям, в том числе и к барокко, как крупнейшего его представителя, основателя реализма в живописи. 

Считается, что именно он впервые применил в своем творчестве прием, использовавшийся в цветной ксилографии - "кьяроскуро" (итал.— светотень) прием «распределения различных по яркости цветов или оттенков одного цвета, позволяющий воспринимать изображаемый предмет объемным». В искусствоведческом языке существует даже термин "караваджизм" - стиль эпохи барокко, для которого характерны прием "кьяроскуро" и подчеркнутый реализм. 

Особенности стиля барокко, как пропагандистского, активно захватывающего зрителя, принято связывать с укреплением абсолютистских монархий, с Контрреформацией, и поэтому он имеет свои выраженные национальные особенности в разных странах Европы. В Голландии, например, где распространен протестантизм и итальянское влияние было не так сильно, барокко имеет более скромное выражение, в нем больше камерности и меньше парадности (если портреты не сделаны по заказу высокопоставленных вельмож), но очень сильно жизнеутверждающее начало. Вершиной развития искусства 17 века в Голландии безусловно является творчество Рембрандта ван Рейна (1606-1669), живописца, мастера рисунка и офорта, непревзойденного портретиста.

Если в групповых портретах, которые широко распространились в Голландии, и в заказных портретах вельмож художник тщательно передавал черты лица, одежду, драгоценности, то в автопортретах и портретах близких ему людей Рембрандт отступал от художественных канонов и экспериментировал в поисках психологической выразительности, использовал свободную манеру живописи, красочную гамму и игру светотени. 

О его отношениях с еврейской общиной Амстердама и многочисленных портретах еврейских мудрецов, стариков и детей я писала уже раньше (http://vanatik05.livejournal.com/2015/02/19/), здесь приведу один из тех портретов, который является жемчужиной мировой живописи. 

Рембрандта привлекают образы простых людей, стариков, женщин и детей, все чаще он сосредоточивает внимание на лице и руках, выхваченных из темноты мягким рассеянным светом, горячая красно-коричневая палитра усиливает эмоциональную выразительность, согревая их теплым человеческим чувством.

Влияние творчества Рембрандт не только на голландское, но и на мировое искусство огромно. Его непревзойденное мастерство, гуманизм и демократизм, интерес к человеку, его переживаниям и внутреннему миру оказали воздействие на развитие впоследствии всего реалистического искусства.
Ученик и последователь Рембрандта, проживший короткую жизнь, но успевший оставить свой след в искусстве, Карел Фабрициус (1622-1654)

глубоко усвоил творческий метод великого учителя, но сохранил свою свободную манеру письма, более холодную цветовую гамму и оригинальный прием выделения темных фигур первого плана на полном воздуха светлом фоне. Можно сказать, что Фабрициус был самым блестящим из учеников Рембрандта, однако он изменил манере учителя писать светлое на темном фоне и вместо этого писал темные предметы на светлом. Он трагически погиб при взрыве порохового склада в Делфте во время работы над одним из своих портретов. 
Теперь уже в свою очередь творческая манера Фабрициуса оказала влияние на Яна Вермеера Делфтского (1632–1675). 
"Жемчужина, вспышка, драма и квинтэссенция «золотого голландского века». Недолго живший, мало написавший, поздно открытый..." (Лосева.http://www.aif.ru/culture/person/1012671) 

Большинство его работ скорее можно назвать жанровыми сценами, но суть их - обобщенные жанровые портреты, в которых особое внимание уделяется душевному состоянию персонажей, общему лирическому настрою всей сцены, тщательному выписыванию деталей, использованию естественного освещения, живой выразительности всей композиции.

Множество его работ изображают женщин за разными домашними занятиями, у него была возможность наблюдать свою собственную жену, постоянно занятую по дому и воспитывающую их многочисленных детей (она родила 15 детей, из которых четверо умерли). Обычно действие на его жанровых портретах происходит у окна, образы женщин полны обаяния и умиротворения, а игра оттенков и красочность бликов одухотворяют мир людей и сообщают им внутреннюю значительность.

Творчество Вермеера не было по достоинству оценено при жизни и было почти забыто вплоть до второй половины 19 века.
Еще одним выдающимся голландским художником, работавшим в Харлеме (Амстердам) и прославившимся во второй половине своей жизни как гениальный портретист был Франс Халс (Хальс, между 1581 и 1583 -1666). Он "радикально реформировал групповой портрет, порвав с условными системами композиции, вводя в произведения элементы жизненных ситуаций, обеспечивающие непосредственную связь картины и зрителя" (Седова Т.А. "Франс Халс" . Большая советская энциклопедия) 

В творчестве Халса можно увидеть почти всех представителей общества - от богатых горожан и высшего офицерства до социальных низов, изображаемых художником обычными живыми людьми, воплощающими неистощимую жизненную энергию народа.

Часто его портреты производят впечатление выхваченного и моментально зафиксированного жизненного момента, настолько они воспроизводят живую естественность и неповторимую индивидуальность своих моделей, иногда даже неожиданно напоминая манеру импрессионистов.

Эта картина скорее всего не портрет в собственном смысле слова, а аллегория, говорящая о неизбежности смерти и скоротечности жизни, но она настолько живая, так передает движение благодаря жесту протянутой руки, что создает полное впечатление портрета конкретного юноши. Хальс прославился благодаря своему энергичному стилю письма, использующему быструю работу кистью , чтобы запечатлеть мимолетные, мгновенные жесты и выражения лица. Поздние произведения Халса выполнены в скупой цветовой гамме, построенной на контрастах чёрных и белых тонов. Ван Гог говорил, что у Халса «27 оттенков черного»[. 
Пару слов о еще одном жизнерадостном и остроумном голландском живописце, писавшем в основном жанровые сценки, многие из которых вполне можно считать и жанровыми портретами. Ян Стен (около 1626—1679) изображал сцены из жизни среднего класса, описывая их с грубоватым народным юмором, иногда даже доходящим до сатиры, но всегда добродушные и мастерски выполненные.

Период расцвета фламандского барокко приходится на 1 пол. XVII века, его выдающимся представителем является великий Питер Пауль Рубенс (1577-1640), живописец, график, архитектор-декоратор, оформитель театральных зрелищ, талантливый дипломат, владевший несколькими языками, ученый-гуманист. Он рано посвятил себя живописи, побывал в юности в Италии и воспринял во многом манеру Караваджо, но сохранил любовь к национальным художественным традициям.

Рубенсом было написано большое количество парадных портретов по заказам европейской аристократии, в том числе и королевских особ, но и в них с исключительным мастерством и чувственной убедительностью он воссоздавал физический облик и особенности характера модели. Но особенно виртуозны, лиричны, написанные с большой любовью и задушевностью интимные портреты близких ему людей.

Интересны работы, в которых видны поиски художника, стремление передать разные позы, эмоции, выражения лица, достичь исключительного мастерства в передаче тончайших градаций света и цвета, в богатстве красочных оттенков, выдержанных в эмоционально насыщенной коричневой гамме.

Творчество Рубенса оказало огромное воздействие на развитие европейской живописи, особенно фламандской, и прежде всего на его
учеников, образовавших целую школу последователей, из которых самым талантливым был безусловно его помощник Антонис ван Дейк (1599–1641).

Восприняв "сочную"живописную манеру Рубенса, он уже в юности обратился к портрету, придавая героям своих картин более утонченный, более изящный, более одухотворенный и благородный облик. Вместе с тем он писал много парадных портретов, в том числе и конных, в которых уделял большое внимание позе, осанке, жестам, ему удалось объединить в парадном портрете "торжественную представительность образа с индивидуальной психологической характеристикой".

Последние 10 лет своей жизни Ван Дейк провел в Англии при дворе короля КарлаI среди аристократов, придворных и членов их семейств. Интересно наблюдать за тем, как меняется палитра художника, становясь вместо теплой и живой красновато-коричневой все более холодной голубовато-серебристой.

Творчество Ван Дейка, разработанные и доведенные им до совершенства типы аристократического интеллектуального портрета оказали в дальнейшем большое влияние на развитие английской портретной живописи.
Еще один выдающийся художник фламандской школы Якоб Йорданс (1593-1678) отразил в своем творчестве характерные черты именно фламандского барокко - свежее, яркое, чувственное восприятие жизни, радостный оптимизм, тела его моделей дышат здоровьем, движенья их порывистые, фигуры мощные, вообще мощь и внутреняя энергия для художника важнее красоты и грации.

Йорданс очень быстро писал, его наследие велико, хотя и меньше, чем у Рубенса - около 700 картин почти во всех музеях мира. Он любил большие картины, и даже портреты предпочитал делать в соответствии с ростом человека, с большим реализмом, не скрывая недостатки лиц и фигур. 

И хотя он и не добился значительного признания как портретист, однако хорошо умел отображать характеры, был наблюдательным художником и оставил нам многочисленные свидетельства своей эпохи, целую галерею характерных народных типов.
«Золотым веком» испанской живописи является XVII век, расцвет живописи не совпал с периодом наивысшего экономического и политического могущества Испании и наступил несколько позднее. Реакционная внутренняя и внешняя политика испанских королей, разорительные войны, постоянные религиозные преследования, слабость буржуазии привели Испанию к потере своего могущества уже к концу XVI в. Для испанского искусства было характерно преобладание традиций не классических, а средневековых, готических, а также большое влияние мавританского искусства в связи с многовековым господством арабов в Испании. Самым известным художником испанского барокко был Диего Родригес де Сильва Веласкес (1599—1660).

Интересно, что у Веласкеса, типичнейшего испанца, родившегося в семье португальских евреев, принявших христианство, почти отсутствуют произведения на религиозные сюжеты, а те, которые он избирает, трактуются им как жанровые сцены. На его портретную живопись оказала огромное влияние жизнь при королевском дворе, она научила его раскрывать глубины человеческого характера, прячущиеся под маской холодного этикета, богатством одежд, великолепием поз, одежд, коней и пейзажа.

С большой теплотой, симпатией и непредвзятостью написана художником целая серия портретов придворных шутов и карликов, здесь с наибольшей полнотой сказались особенности его творческого метода - глубокое постижение жизни во всем богатстве и противоречивости ее проявлений.

Одна из последних работ Веласкеса - "Менины" - по сути является групповым портретом. Стоя у мольберта, сам художник (и это единственный достоверный автопортрет Веласкеса) пишет короля и королеву, отражение которых зрители видят в зеркале. На переднем плане изображена инфанта Маргарита, в дверях покоя художник поместил фигуру канцлера. В картине все пронизано воздухом, моделировано тысячью разных цветовых оттенков, мазками разного направления, плотности, величины и формы. 

Влияние Веласкеса на все последующее испанское и мировое искусство огромно, он вдохновлял поколения художников, от романтиков до Сезанна и Матисса.
Еще один художник, оставивший свой след в искусстве эпохи испанского барокко, - Франсиско Сурбаран (1598-ок. 1664), выходец из крестьянской семьи с глубокими религиозными устоями. Потому и творчество его в большей своей части основано на религиозных сюжетах, среди его работ множество изображений святых, пророков, монахов и священников, он много пишет для храмов и монастырей. Иногда в религиозных сюжетах он в образе святых или библейских героев изображает своих друзей, знакомых или даже себя.

В середине 17 века в испанской живописи барокко происходят изменения, которым стареющий Сурбаран уже не мог соответствовать, он начал терять свою популярность и умер фактически в нищете.
Изменения в испанской живописи, о которых сказано выше, происходят в результате влияния творчества Бартоломе Эстебан Мурильо (1618—1682), одного из величайших живописцев религиозной тематики, в картинах которого канонические сюжеты представляют собой как бы повседневные сцены из жизни самых обыкновенных людей. Художник создал целую серию картин, с добродушным юмором, проникнутых лиризмом и добротой, изображающих жизнь севильских детей трущоб. 

После смерти Мурильо испанская школа живописи практически перестала существовать, и хотя время от времени появлялись выдающиеся мастера (о которых мы еще поговорим в следующей части), но об испанской школе как о явлении в искусстве можно говорить лишь применительно к XVII столетию.
Упомяну еще одного итальянского художника - Гвидо Рени (1575-1642), изучавшего в Риме живопись Рафаэля и Караваджо и ставшего в зрелые годы фактическим главой римской школы барокко. Большинство его работ посвящены религиозным сюжетам, а в портретах присутствует некая нарочитая изнеженность, претенциозная грация поз, утонченная красота, как будто его герои - персонажи барочной мелодрамы.

И еще один в этой плеяде творцов эпохи Барокко - французский художник Матье Леннен (1607 — 1677), младший из трех братьев-художников. Многие работы приписывают разным братьям, иногда невозможно с достоверностью установить авторство. Но постепенно фамилия Ленненов стала связываться лишь с творчеством младшего из них, Матье, который принадлежал по существу уже другому поколению и в своих жанровых и портретных работах зависел от новых вкусов.

Заканчивая тему "портретная живопись эпохи барокко", главенствующем стиле в Европе конца 16-начала 18 века, приведу слова Сомерсета Моэма: "Барокко - трагичный, массивный, мистический стиль. Оно стихийно. Оно требует глубины и прозрения...". От себя посмею только сказать, что барокко - не мой любимый стиль, он меня утомляет... 
В следующей части поговорим о Рококо. Продолжение следует.

И, как всегда, видеоролик в сопровождении музыки барокко. 

Ссылки: http://smallbay.ru/baroc.html
http://crossmoda.narod.ru/CONTENT/art/XVII/art_barocco.html
https://gallerix.ru/
http://www.artap.ru/cult/portrait.htm
https://en.wikipedia.org/wiki/Portrait_painting">